14 abril, 2019

Para pintar al pastel,  junto con la calidad de las pinturas importa mucho la del papel. Debes de pintar solo sobre papeles especiales de pastel. Esto es fundamental para obtener trabajos de calidad y brillantez de color. Los papeles especiales para pastel se caracterizan por:

El número de capas de pastel que admiten: Un buen papel admite hasta 20 capas sucesivas de pastel sin rechazar el color. Los papeles baratos, no sirven ya que apenas admiten 3 capas. Cuantas más capas admita el papel, más intenso será el color y mayores efectos pictóricos lograremos. Cuanto menos, más se aproximará nuestro trabajo al dibujo y menos intenso será el color.

El agarre: va unido a lo anterior. Cuantas más partículas de pastel agarre el papel, más intenso será el color, aunque también ¡ay!, antes se desgastarán nuestras barras y lápices. hay papeles suaves como el Pastelmat, que sin embargo tiene mucho agarre.

La textura de la superficie: más suave o más rugosa, influye mucho en la apariencia superficial de la pintura y en la capacidad de realizar líneas más o menos definidas.  El mismo pastel dejará una huella muy distinta con una u otra textura. Los pasteles con textura rugosa o tipo lija se obtiene una gran intensidad de color, aunque también se desgastan antes las barras de pastel. Las texturas suaves se adaptan muy bien para retratos realistas.

El color: hay multitud de posibilidades distintas y su elección es muy personal. Conviene usar papeles de colores no excesivamente vivos, más bien de tonos quebrados. Sobre papeles oscuros se obtiene un efecto muy vibrante. Los papeles claros se pueden teñir con acuarela, lo que amplía sus posibilidades.

Lo que nunca debes emplear son papeles económicos, lisos de dibujo, o  cartulinas  ya que su capacidad de agarre es muy limitada y su mal resultado te hará perder el tiempo y las ganas de pintar.

¿Cual es el mejor papel para pintar con pasteles? Pues depende de los resultados que se quieran. A mi modo de ver, los mejores papeles para pastel  que puedes emplear son:

Mi-Teintes Touch de Canson: buen papel, con un poco menos de agarre que otros, pero que  crea una textura que puede llegar a aparecer óleo. Se funde con mucha facilidad lo que hace muy agradable su uso para lograr acabados atmosféricos. Por su facilidad de usos, creo que es el mejor papel para iniciarse al pastel.

Pastel Card de Sennelier: excelente papel, de tacto áspero, con gran agarre de pigmento que proporciona una gran intensidad de color y una textura marcada. Idóneo para cuadrso con caracter y expresividad:

Pastelmat de La Claire Fontaine: papel de tacto suave y luminoso, pero con gran capacidad de agarre. Ideal para acabados atmosféricos y suaves:

 UART: magnifico y caro papel. Se vende en 8  granos distintos y permite una gran intensidad de color, de aspecto nítido y casi cristalino.  Para muchos es el mejor papel del mundo. En España solo está disponible por Amazon:

Papel de elaboración propia: según la textura más o menos gruesa que se le quiera dar, permite resultados espectaculares, que cuesta identificar como pastel, llegando a  parecer óleo a espátula:

Canson Mi- Teintes: papel multiusos cuya mejor virtud es su precio ajustado y la variedad de colores. Muy poco agarre y baja calidad, por lo que debe ser tu última opción:

 

Habitualmente yo los voy empleando todos. estoy una temporada con uno y posteriormente me «canso» y paso a probar otro, y así sucesivamente.

 

 

 

 

 

 

21 febrero, 2018

Al empezar un paisaje, la primera decisión es resolver que parte del mismo es la protagonista del cuadro y  por tanto, queremos darle mayor importancia. ¿El cielo? ¿La tierra? ¿El primer plano?. Según sea la opción que nos interese, decidiremos donde situar la línea del horizonte. En un paisaje, este es el punto fundamental de inicio, ya que su ubicación condiciona todo el desarrollo posterior del cuadro. La línea del horizonte corresponde con la altura a la que está situado el observador,  marca lo que se ve y qué elemento tendrá mayor importancia: cielo, tierra o ambos por igual. Para ubicarla podemos emplear la del paisaje que veamso ante nosotros o usar alguna regla de los tercios o de los quintos.

Eso sí, conviene evitar situarla justo en el centro del cuadro, salvo que lo compensemos con otros recursos para darle animación al cuadro. Las diferentes opcione sque tenemos son:

Línea del horizonte a nivel de suelo

En esta perspectiva, el observador está situado a nivel del suelo, casi tumbado en el mismo. La línea del horizonte está extremadamente baja y genera una vista ampliada de los objetos cercanos a los que confiere un protagonismo e intensidad exagerados. Focaliza la atención en lo inmediata y cercano. El cielo ocupa la mayor parte de la superficie del cuadro, por lo que se concede una gran importancia al trabajo del mismo, con nubes, etc.

Línea del horizonte baja

El observador está situado a nivel del suelo, pero de pie.  La línea del horizonte está más alta que en el caso anterior, correspondiendo a al visión que habitualmente tenemos al desplazarnos andando por el paisaje. Nuestra perspectiva es más amplia, con más profundidad y distancia. El cielo ocupa gran parte de la superficie del cuadro, por lo que se concede una gran importancia al trabajo del  nubes, etc.

Línea del horizonte en el medio

El observador está situado en una pequeña elevación. Ni el campo ni el cielo dominan. y puede ser dificil decidir que zona es la protagonista. Hay que buscar elementos que movilicen esa zona y rompan el posible estatismo que una línea justo en el centro puede generara. lo mejor es crear un equilibrio dinámico de masas. Los puntos de vista elevados generan  cierto sentimiento de reverencia y humildad  ante la amplitud del paisaje que se extiende bajo nosotros.

Línea del horizonte alta

Corresponde a una vista aérea. El observador está situado muy alto y la composición está dominada la amplia zona de  terreno del primer plano, que se extiende  hasta la profundidad del horizonte.  El ojo del espectador debe de ser conducido hasta allí mediante hitos y líneas de contraste adecuadas. Nos  sirven postes, hitos, árboles, etc. Una línea del horizonte alta, implica darle gran importancia al paisaje terrestre (vista de pájaro), en detrimento dle cielo. Este pasa a ser un mero telón de fondo que no debe de llamar excesivamente la atención, puesto que toda la acción del cuadro ocurre en la zona terrestre.

Línea del horizonte superior, fuera del cuadro

Vista aérea. El observador esta en un aeronave o una gran elevación, un rascacielos, etc. Es poco habitual y exige un buen dominio de la prespectiva. Muchos pintores impresionistas, realizaron estupendas vistas de París con esta ubicación.

 

 

15 diciembre, 2017

Dibujar árboles es una actividad gratificante que te será muy útil en tus bocetos y dibujos de paisaje. Esta técnica te permitirá representar árboles mostrando su  follaje de una manera estructurada, rica y con un atractivo contraste de claroscuros. La puedes emplear con el lápiz grafito, pero también funciona con otros medios de dibujo como cretas, carboncillo, etc.

Es un método con el que avanzamos progresivamente de los tonos claros a los oscuros. Si estuviéramos pintando sería diferente, ya que la opacidad de las capas de pintura (oleo, pastel, etc.) aconseja trabajar de manera inversa: aplicar primero una base de colores oscuros, sobre la que luego superponer otros más claros y luminosos.

Con este método aprenderás a dibujar arboles individualizados. Más adelante aprenderemos a representar boscajes con una técnica ligeramente diferente.

El procedimiento:

Como siempre, partimos de la simplificación máxima inicial para llegar luego al detalle

Paso 1: identifica y dibuja simplificadamente la silueta del árbol

Dibuja la silueta aproximada  del tipo de árbol que quieres dibujar. Cada árbol tiene una bien definida. Obsérvala y representa su contorno de forma aproximada, sin entrar en detalles.

 

Paso 2: dibuja de la copa del árbol.

Divide la copa del árbol en “globos” o “bolsas” que sigan de manera aproximada y simple la estructura y distribución aproximada de las ramas y el follaje del árbol.

Paso 3: observa de donde viene la luz.

Observa y decide desde donde incide la luz solar. Eso muy es importante para decidir la distribución de las sombras que luego estructurarán el árbol. Para identificarla con facilidad, te puede ayudar mucho hasta dibujarte un pequeño sol, que te permita ver con claridad que zonas estarán en sombra y que zonas tendrán luz.

Paso 4: haz un sombreado básico.

Inicialmente vamos a resolver el sombreado con sólo tres o cuatro tonos básicos:

• Luces: fondo del papel.
• Zonas claras: gris claro.
• Zonas semi obscuras: gris oscuro.
• Zonas de sombra: gris muy obscuro o negro.

Siguiendo ese patrón de luces y sombras, aplica una primera mancha de color oscuro en aquellas zonas de la copa que sean de sombra. Hazla de manera individual en cada una de las “bolsas” o “globos”, teniendo en cuenta una valoración general.

A continuación aplica  un segundo tono intermedio en las zonas siguientes, para lograr un efecto de tono intermedio.

Por último, aplica uno menor en las zonas claras.

FOTO

Deja las zonas superiores y aquellas donde incide más directamente la luz  solar en blanco.

Paso 5: funde unas zonas con otras.

Observa el conjunto y funde unas zonas con otras, para lograr un efecto natural y continuo. Así haces desaparecer las divisiones muy marcadas y lineales entre zonas, que dan una apariencia artificial.

 

Paso 6: sombrea el tronco:

Cada árbol tiene una forma y grosor propio de tronco. Inicialmente piensa en él como un cilindro que se va retorciendo y estrechando a medida que asciende.

El tronco suele ser una de las zonas más oscuras, ya que buena parte de él queda bajo la sombra de las ramas inferiores. Aplica una sombra consistente, que se vaya desde la zona inmediatamente cercana a la copa, hacia abajo. Si el dibujo te lo permite, trabaja un poco la textura del tronco. Es un recurso muy atractivo.

Paso 7: haz la sombra proyectada en el suelo:

Contribuye mucho a dar solidez al conjunto. Observa donde debería de estar según la posición del sol y represéntala de manera más intensa en el  centro y más rebajada hacia afuera

Paso 8: cuida las ramas:

Las ramas contribuyen mucho al realismo del dibujo. Además con ellas puedes trazar delicados arabescos que aportan gracia y encanto al dibujo. Evita que sigan un patrón simétrico y tosco. Repártelas de manera desigual pero estructurada por el árbol.

Por supuesto, las ramas siempre son más finas que el tronco y su anchura va decreciendo hacia los extremos. Evita dibujar las ramas de forma igual y muy marcadas. Mejor emplea un trazo sensible, con diferentes niveles de intensidad y en el que los extremos de las ramas apenas están insinuados. Con ello lograrás una sensación de gracilidad y mucho realismo mayor.

Paso 9: insinúa las hojas.

No tiene sentido tratar de dibujar las hojas una a una. Simplemente insinúa un  poco su forma en los extremos del follaje o en las zonas centrales. Es más “dar la sensación” de que están allí, que  dibujarlas.

Paso 10:  Mantén algunas luces por el centro de la copa.

Corresponden a las zonas de más intensidad. Permite que el blanco del papel aparezca en esas áreas.

Haz dibujos hasta que obtengas un resultado satisfactorio. Verás como con el tiempo mejorarás espectacularmente y este tipo de dibujos se convierte en algo muy gratificante.

18 noviembre, 2017

El empleo de fotografías para pintar está cada día más extendido. Los móviles, tabletas y ordenadores permiten acceder de forma inmediata a un campo de imágenes sin límite y eso es fantástico. Sin embargo a la hora de pintar, pretender copiar exactamente la fotografía, hasta el mínimo detalle, pensando que eso es lo correcto, es un error. La fotografía solo el punto de partida sobre el que empezamos a  crear nuestra pintura, pero debemos trascenderla para convertir  el cuadro en una obra  propia.

Además, la fotografía tampoco corresponde a la realidad ya que esta imagen se ve alterada por la iluminación escogida, las lentes empleadas, el tipo y ajuste  cromático de la pantalla  con la que la vemos o la calidad de impresión. En sí, la fotografía, tampoco es la realidad, sino otra  interpretación  de la misma.

Por eso la fotografía es muy útil a la hora de establecer las líneas de dibujo, pero debemos  emplearla con más cautela en el caso del color,  ya que tiende a simplificar tonos,  sombras, sobreexponer  o subexponer  la  iluminación.

He escogido una de mis pinturas al pastel, que muestra el castillo de Biar (Alicante), para ilustraros  el proceso que os aconsejo seguir. Es una pintura que representa con bastante fidelidad el paisaje, pero interpretándolo en clave pictórica, no fotográfica:

Recorta y selecciona el encuadre: no te conformes con la primera imagen, juega con diversos recortes de la misma hasta lograr el encuadre más interesante.

Modifica y altera los elementos de la composición: lo que importa es el cuadro, no la foto en la que se inspira. Si para hacer más atractiva la pintura, debes de añadir o eliminar elementos nuevos, no lo dudes.

Simplifica la composición: da por seguro que todo lo que aparece en la foto, no cabe en el cuadro. A medida que lo vayas pintando, te darás cuenta de que elementos sobran. Si dudas sobre mantener alguno o no,  lo mejor es eliminarlo.

Mejora y trasciende el claroscuro fotográfico: las cámaras traducen las sombras de una manera simplista, uniforme y poco atractiva. Es tu trabajo convertir esas sombras en zonas luminosas y vividas, con matices de color  interesantes. Observa los cuados de Sorolla y verás todo lo que se puede llegar a  hacer con las sombras.

No copies sin más los colores de la fotografía: Estos colores solo son un punto de partida. Trabaja con un esquema previo de colores del círculo cromático. Si es necesario introduce los cambios de color que veas convenientes. Ten en cuenta que si además es una imagen  hecha con una impresora, estas simplifican muchísimo los matices de color.

Crea una textura pictórica, no fotográfica: estas trabajando con pintura y pinceles, luego debes de traducir la textura plana de las imágenes a una textura gestual y materica, creada por el gesto de tu pincelada o trazo y la acumulación de pintura sobre la superficie. Es ahí donde  muestras  tu personalidad , ya que la forma de pintar es única y distinta en cada uno de nosotros.  Gradualmente ves probando  una  variedad de texturas y efectos, desde el hiperrealismo a las  técnicas más matéricas.

Prescinde de la foto: si pintas como es debido, llegará un momento  del proceso en el  que sentirás la necesidad de prescindir de la foto para  resolver el cuadro conforme a lo que te vaya dictando el propio cuadro.

1 noviembre, 2017

El pastel es una técnica muy adecuada para iniciarse en el color, ya que es fácil de usar, permite un colorido muy rico y se corrige con facilidad. Además la inmediatez de disponer una gran posibilidad de colores sin esfuerzo, anima usar gamas muy ricas de colores. La pintura al pastel se considera una técnica seca, ya que son barritas secas de pigmento puro, que se aplican directamente en la superficie, sin pincel, de manera similar al carboncillo. El pastel además, al no necesitar líquidos, pinceles, etc.., es una pintura muy cómoda para pintar paisaje al aire libre.

Tipos de pasteles:

• Extra blandos: los mejores para pintar, pero también más caros. Suaves y mantecosos en el trazo y con gran intensidad de color. Las mejores marcas son Schmincke y Sennelier.
• Semi blandos: buena calidad, aunque no comparable a las anteriores. Las marcas más conocidas son Rembrandt y Toison d,Or.
• Duros: Sirven para las capas iniciales y realizar detalles perfilados al final. Marcas aconsejables: Nupastel y Conté
• Lápices pastel: útiles para hacer detalles finos al finalizar el trabajo.
• Pasteles al óleo: similares a las ceras, no los vamos a emplear.

También tienes la posibilidad de fabricarte tus propios pasteles, ya que es muy fácil. Puedes verlo en nuestro vídeo de You Tube: Como fabricar tus propias pinturas  al pastel.

Una opción muy aconsejable son las cajas de medias barras, ya que por el mismo precio ofrecen el doble de colores.

1 noviembre, 2017

Un cuadro debe de tener un centro de interés o de atención. Este es el lugar en el que confluyen las energías visuales del cuadro. Toda buena pintura cuenta con un recorrido visual, que dirige la mirada hacia ese centro de interés. Este es el elemento  principal de la composición y los demás se subordinan al mismo.

El centro de interés funciona muy bien cuando logra aunar las energías físicas y visuales del cuadro con las emotivas. Aun así, no hay que olvidar que todas las partes del cuadro deben de ser interesantes por sí mismas.

Donde colocarlo: la regla de los tercios:

La ubicación del centro de interés no suele ser al azar, sino que hay unas ubicaciones características. Podemos emplear la regla de los tercios, para localizar estas zonas y crear composiciones que sean a la vez dinámicas y estables.

Para hallarlos divide el formato de tu pintura en tres secciones iguales, dibujando dos líneas horizontales, que lo crucen de extremo a extremo, separadas entre sí por la misma distancia. A continuación haz lo mismo con dos líneas verticales. Escoge una de las cuatro intersecciones para ubicar en ella el centro de interés del cuadro. También puedes emplear una de las líneas horizontales para colocar en ella la línea del horizonte (alta o baja según te convenga más).

Cómo trabajarlo:

Encuentra el centro de interés lo primero y trabaja desde allí hacia afuera. Cuando en un cuadro encuentras con claridad ese punto de interés, es más fácil acabarlo y resolverlo. Procura también no colocar demasiados elementos que debiliten la atención que este requiere. Trata de ubicar en el centro de interés:

– Los contrastes de oscuros y claros más intensos.

– Los colores más intensos y contrastados.

– Los contrastes de calidez y fríos principales

– Las líneas y formas más recortadas y definidas

– Los contraste de formas más notorios: (vertical /horizontal, simple/complejo arquitectura/orgánico)

Graduando la intensidad de estos matices, podemos jugar con el centro de interés para que seas más o menos evidente.

La regla de los tres estilos:

Una sencilla regla puede ayudarte a trabajar bien el centro de interés:

Divide el cuadro en tres círculos concéntricos que partan del centro de interés. Píntalos según  este patrón:

• El 1º, que corresponde al centro de interés, píntalo en estilo realista.
• El 2º, que corresponde a la siguiente área de atención, píntalo en estilo impresionista.
• El 3º, que corresponde  a la zona más periférica y de menos interés, píntalo en estilo abstracto.

Por supuesto, esta es una regla general, que admite numerosas excepciones.

 

27 octubre, 2017

El estudio de 4 valores (claros, medio claros, medio oscuros y oscuros) tiene la ventaja de sintetizar muy bien la forma en que los valores (las luces y sombras) se presentan habitualmente en el paisaje. Se basa  en la teoría de los ángulos de John F. Carlson, un famoso paisajista norteamericano de principios del S. XIX.  Esta dice que los principales elementos del paisaje: cielos, árboles, colinas, suelo, están en diferentes planos. El ángulo del plano en relación con el sol determina cuánta luz recibe, lo que a su vez determina su valor. Estos cuatro valores suelen ser:

1 .-Máxima luz: el cielo, que es la fuente de luz principal, es casi siempre el valor más luminoso.

2 .- Media luz: El suelo es un plano horizontal. Estando directamente debajo del cielo, recibe más luz que elementos verticales como árboles y colinas, pero aún es más oscuro que el cielo en la gran mayoría de las circunstancias. La excepción es la nieve o playas de arena en un día soleado.

3 – Medio oscuro: planos oblicuos / inclinados y lejanos.  La siguiente zona más oscura es la inclinación de planos, como colinas. Reciben menos luz que el suelo, y por lo tanto son más oscuros que el suelo, pero más ligeros que otros elementos verticales.Debido al efecto «suavizador» de la perspectiva atmosférica, los planos verticales alejados (montañas y colinas) son más claros que los planos verticales cercanos (árboles, casa, etc.), que proyectan sombras más acusadas y oscuras.

4 – Máxima oscuridad: planos verticales: los elementos verticales, como los árboles y la arquitectura, reciben la menor cantidad de luz y, por lo tanto, suelen ser los valores más oscuros de la pintura. Los elementos verticales, por supuesto, pueden estar formados por dos o más valores, un lado claro y un lado oscuro. Dependiendo del color de un elemento, su lado luminoso puede tener un valor cercano a los planos oblicuos o al plano de tierra.

Por supuesto, estas divisiones de valor no son absolutas. Hay cierta superposición entre las divisiones.

Esto lo podéis ver representado en el siguiente esquema:

Observar como cada uno de los planos presenta un valor (tonalidad de claroscuro) diferente. Los más oscuros son los objetos verticales cercanos.

• Ejercicios para  aprender a sintetizar en cuatro tonos

Es muy bueno para el artista aprender a sintetizar en solo cuatro tonos un pasaje. De esta manera se obliga a resolver de manera muy simple toda la complejidad que presenta el paisaje. Si logra dominar satisfactoriamente esta técnica, lo tendrá mucho más fácil para plasmar a su gusto el entorno.

A continuación podéis ver toda una serie de estudios realizados por diferentes artistas que plasman esa idea:

 

Este tipo de estudios es muy conveniente para luego aprender a realizar pinturas de carácter atmosférico y más monocromo, tal como la que os presentamos:

John Atkinson Grimswah

17 octubre, 2017

La clave para tener éxito en el dibujo de paisaje es la simplificación. Gracias a ella seremos capaces de reproducir en una superficie reducida (el papel o el lienzo), la esencia de una vista tan compleja y llena de elementos dispares, como puede ser un paisaje. Debemos de aprender a reducir esa multitud de elementos a lo mínimo, prescindiendo de todos los detalles superfluos que solo harán que dificultar nuestro trabajo.

El secreto es reducir la complejidad de formas que vemos ante nosotros a elementos geométricos simples, que luego poco a poco iremos desarrollando hasta completar nuestro dibujo. Dibujaremos principalmente con líneas rectas o segmentos, ya que así:

• Llevaremos todo el dibujo a la vez.
• Evitaremos la tentación de caer en detalles.
• Nos obliga a simplificar las formas.
• Desarrollaremos un trazo más firme y contundente, que nos vendrá muy bien para mejorar nuestar calidad gráfica como dibujantes.

Finalmente dejaremos el dibujo en un estado de desarrollo que es el inmediatamente previo a empezar a aplicar sombreados o color al paisaje.

El proceso sería el siguiente:

Partimos de una imagen aparentemente compleja y de dificil simplificación. Sin embargo veremos cómo logramos de una manera muy sencilla, resolverla satisfactoriamente.

En esta fase buscamos la manera de reducir todas las formas a los volumenes básicos y planos más elementales.  Prescindimos de toda pretensión de realismo o detalle y solo buscamos que esta primera aproximación a las formas sea veraz. En el momento en que comparando nos parezca satisfactoria, pasamos al siguiente paso.

Ahora comenzamos a descomponer en planos esos volumenes tan simples que hemos hecho y vamos entrando en aumentar los planos para acercarnos a las formas de los relieves montañosos. Si continuamos observando que es correcto, seguimos adelante con el último paso.

Este es el paso final. Definimos la mayoría de los planos y formas con un mayor grado, añadiendo y descomponiendo en volúmenes secundarios todo lo que nos haga falta. Eso sí, sin entrar nunca en detalles, ya que en cuanto cubramos la superficie con un sombreado o con pintura, estos se perderán.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4 febrero, 2016

Este mes de Febrero, en nuestra escuela nos vamos a dedicar a conocer a fondo todos las cualidades de la pintura al pastel. para todos nuestros alumnos confiamos que va aser una experiencia intersante y muy ilustrativa. Ya os conatremos los resultados. Lo que queremso que todo el mundo aprenda es:

–  Como fabricar tus propios pasteles.
–  Cómo pintar al papel sobre cualquier tipo de papel o superficie.
–  Cómo pintar al aire libre.
–  Conocer los mejores pastelistas de la historia y los mejores artistas contemporáneos.
–  Descubrir los vídeos y sitios web más interesantes sobre el pastel.

 

19 enero, 2016

ALGUNAS CONSIDERACIONES PREVIAS

– Se paciente contigo mismo:

Pintar al aire libre no suele salir bien a la primera. Es más dificil de lo parece, por lo que concédete varios intentos hasta que empieces a obtener resultados satisfactorios.

– ¿Como escojo el tema?

En base a tu estado de humor, soltura pintando, tamaño del soporte y sobre todo que te resulte atractivo. Aquí  es de gran ayuda el “visor de paisaje”  ya que facilita individualizar temas y motivos, para valorar su atractivo.

También es bueno observar el mismo motivo bajo distintos puntos de vista.

– Busca un motivo sencillo:

Salvo que se tenga mucha soltura, es mejor realizar una vista sencilla a uno de gran complejidad en el qué es fácil perdernos. A medida que ganes experiencia, puedes plantearte composiciones más ambiciosas.

Fotografíalo:

Así, si no lo puedes acabar en el lugar, lo podrás finalizar luego en casa. Además luego es muy interesante comparar la imagen real y la impresión pintada.

1.- COMO COMPONER Y HACER EL DIBUJO PREVIO

• Prueba a hacer un pequeño boceto previo:

En un papel aparte, te puede ser muy útil hacer un pequeño croquis o esbozo, antes de hacer la composición definitiva en el cuadro. Así ensayas como distribuir los elementos principales.

• Haz un dibujo inicial en el cuadro muy sencillo:

Empieza por situar la línea del horizonte y sobre ella los motivos principales:

En él lo más importante es situar bien los elementos principales y que la corrección de las proporciones y que la composición te satisfaga a nivel general. Se cuidadoso, ya que un dibujo incorrecto te hará sufrir al pintar, pero todavía no hagas ningún detalle en profundidad,  ya que al aplicar la pintura desaparecerán.

• Modifica y simplifica el motivo:

No debes incluir todos y cada uno de los elementos y detalles que tienes ante ti. Eso es imposible. Quédate sólo con los esenciales, y altéralos si te es necesario para armonizar y equilibrar la composición.

• Usa la perspectiva de forma intuitiva:

Salvo que quiera una pintura de gran exactitud, te recomiendo emplear unas reglas sencillas de perspectiva para dar verismo a tu paisaje.

• Comienza por marcar la línea del horizonte.
• Sitúa los objetos principales y ves disminuyéndolos a medida que se alejan.
• Realiza una mínima convergencia de horizontales hacia puntos de fuga.

De todas formas, en próximas entradas te explicaré más cosas sobre el uso de la perspectiva.

ALGUNOS CONSEJOS INTERESANTES PARA COMPONER:

• Emplea la regla de los «tres tercios» o «sección áurea» para colocar los puntos de atención del cuadro.

Si divides tu cuadro en tres bandas horizontales y tres verticales, coloca siempre la línea del horizonte y los puntos de interés la intersección de dos  tercios. De esta forma la composición es a la vez asimétrica pero también animada. La simetría perfecta produce un efecto rígido, poco aconsejable. La gran mayoría de los paisajes clásicos están compuestos en base a esta regla.

• Coloca elementos de relieve  en primer plano:

Aumenta la sensación de profundidad

• Procura crear una composición atractiva o movida

Crea recorridos visuales en los que la vista sea conducida de una parte del cuadro a otra. Sobre como lograr esto ya hablaremos en detalle más adelante

4.- COMO ESCOGER Y APLICAR  EL COLOR:

– Parte de un fondo ya coloreado:

Si en vez de pintar directamente sobre el lienzo o papel en blanco, le aplicas una capa de color previa, ya tienes mucho ganado. Ese fondo de color le dará al cuadro homogeneidad y te ayudará a pintar mejor. Busca colores no excesivamente intensos, ya que si no tendrán demaseado protagonismo en el cuadro. Mejor que sean un poco apagados.

– Ve de los simple a lo complejo:

No empieces realizando detalles complejos en zonas y dejando otras en blanco.  Comienza manchando de forma muy general y deja los detalles para el final.

– Trabaja todo el cuadro por capas generales:

Un cuadro se construye en base a tres o cuatros capas superpuestas de pintura. Evita dejar completamente acabada una zona del cuadro y otra en blanco.

– Haz primero un manchado inicial:

Cubrimos todo el cuadro de una serie de colores básicos aplicados por zonas, con una mancha plana.  Estos nos dan ya una impresión general de la composición. La selección del color dependerá del estilo que queramos realizar:

• Paisaje realista: colores quebrados que se aproximen al fondo del color real que vemos.
• Paisaje colorista o fauvista: colores muy vivos y saturados, que tengan cierta relación con el color que vemos.

En otra entrada nos dedicaremos en detalle al tema del color.

– Pinta avanzando desde lo más lejano a lo más cercano:

Es el orden lógico y ayuda a construir muy bien los primeros planos. En cada una de estas capas de pintura, empieza siempre por lo más lejano. Los detalles del primer término, siempre lo último. Verás como sale mucho mejor.

– Aplica colores y matices secundarios.

Estos nos completan la gama de colores básicos, permitiéndonos incluir más matices y detalles. Escoge los colores  empleando otros que bien sean parecidos pero tengan matices diferentes o que contrasten vívamente con los principales. Todo ello crea un efecto rico y animado en el cuadro.

– Combina los mismos colores en diversas zonas del cuadro:

Procura emplear el azul del cielo en algunas partes de los primeros planos. El amarillo del prado en reflejos de las nubes. El violeta de las sombras en diversas zonas repartidas. De esta manera todas las partes del cuadro guardan relación entre sí y se logra una sensación de riqueza y a la vez de integración armoniosa de las distintas zonas unas con otras.

– Recupera el dibujo:

Redefine aquellas zonas que se hayan perdido durante la aplicación de pintura.

– Realización de los detalles y toques finales:

Ahora sí es el momento de aplicar aquellos toque de color y realce final, que le van a conferir al cuadro la gracia e interés definitivo. Son los brillos, los contrastes más acusados, los toque de color más intensos, que destacan como acentos y realces sobre la superficie pictórica. Es importante hacerlos ahora, porque es cuando podemos valorar definitivamente los que nos hacen falta y los que nos sobran.

 

– Borra y rectifica todo lo que sea necesario:

Todo lo que hayas hecho que no te guste, elimínalo sin dudarlo.

– Coloca un motivos o punto de atención referencias anecdótico:

Una casa, personas, animales, aunque no estén en el paisaje real, le pueden aportar al cuadro  un interés añadido que en muchos casos servirá para completar y animar el mismo. Le dan movimiento o crean nuevos centros de atención.

– Por último, ¡fírmalo!:

Busca una firma que sea atractiva y reflejo de tu personalidad y ¡animo!

Si quieres aprender más sobre cómo pintar paisajes, te aconsejo nuestros cursos todo el año y en verano : Vacaciones con arte y Gaia, Centro de Estudios de Arte.