15 diciembre, 2017

Dibujar árboles es una actividad gratificante que te será muy útil en tus bocetos y dibujos de paisaje. Esta técnica te permitirá representar árboles mostrando su  follaje de una manera estructurada, rica y con un atractivo contraste de claroscuros. La puedes emplear con el lápiz grafito, pero también funciona con otros medios de dibujo como cretas, carboncillo, etc.

Es un método con el que avanzamos progresivamente de los tonos claros a los oscuros. Si estuviéramos pintando sería diferente, ya que la opacidad de las capas de pintura (oleo, pastel, etc.) aconseja trabajar de manera inversa: aplicar primero una base de colores oscuros, sobre la que luego superponer otros más claros y luminosos.

Con este método aprenderás a dibujar arboles individualizados. Más adelante aprenderemos a representar boscajes con una técnica ligeramente diferente.

El procedimiento:

Como siempre, partimos de la simplificación máxima inicial para llegar luego al detalle

Paso 1: identifica y dibuja simplificadamente la silueta del árbol

Dibuja la silueta aproximada  del tipo de árbol que quieres dibujar. Cada árbol tiene una bien definida. Obsérvala y representa su contorno de forma aproximada, sin entrar en detalles.

 

Paso 2: dibuja de la copa del árbol.

Divide la copa del árbol en “globos” o “bolsas” que sigan de manera aproximada y simple la estructura y distribución aproximada de las ramas y el follaje del árbol.

Paso 3: observa de donde viene la luz.

Observa y decide desde donde incide la luz solar. Eso muy es importante para decidir la distribución de las sombras que luego estructurarán el árbol. Para identificarla con facilidad, te puede ayudar mucho hasta dibujarte un pequeño sol, que te permita ver con claridad que zonas estarán en sombra y que zonas tendrán luz.

Paso 4: haz un sombreado básico.

Inicialmente vamos a resolver el sombreado con sólo tres o cuatro tonos básicos:

• Luces: fondo del papel.
• Zonas claras: gris claro.
• Zonas semi obscuras: gris oscuro.
• Zonas de sombra: gris muy obscuro o negro.

Siguiendo ese patrón de luces y sombras, aplica una primera mancha de color oscuro en aquellas zonas de la copa que sean de sombra. Hazla de manera individual en cada una de las “bolsas” o “globos”, teniendo en cuenta una valoración general.

A continuación aplica  un segundo tono intermedio en las zonas siguientes, para lograr un efecto de tono intermedio.

Por último, aplica uno menor en las zonas claras.

FOTO

Deja las zonas superiores y aquellas donde incide más directamente la luz  solar en blanco.

Paso 5: funde unas zonas con otras.

Observa el conjunto y funde unas zonas con otras, para lograr un efecto natural y continuo. Así haces desaparecer las divisiones muy marcadas y lineales entre zonas, que dan una apariencia artificial.

 

Paso 6: sombrea el tronco:

Cada árbol tiene una forma y grosor propio de tronco. Inicialmente piensa en él como un cilindro que se va retorciendo y estrechando a medida que asciende.

El tronco suele ser una de las zonas más oscuras, ya que buena parte de él queda bajo la sombra de las ramas inferiores. Aplica una sombra consistente, que se vaya desde la zona inmediatamente cercana a la copa, hacia abajo. Si el dibujo te lo permite, trabaja un poco la textura del tronco. Es un recurso muy atractivo.

Paso 7: haz la sombra proyectada en el suelo:

Contribuye mucho a dar solidez al conjunto. Observa donde debería de estar según la posición del sol y represéntala de manera más intensa en el  centro y más rebajada hacia afuera

Paso 8: cuida las ramas:

Las ramas contribuyen mucho al realismo del dibujo. Además con ellas puedes trazar delicados arabescos que aportan gracia y encanto al dibujo. Evita que sigan un patrón simétrico y tosco. Repártelas de manera desigual pero estructurada por el árbol.

Por supuesto, las ramas siempre son más finas que el tronco y su anchura va decreciendo hacia los extremos. Evita dibujar las ramas de forma igual y muy marcadas. Mejor emplea un trazo sensible, con diferentes niveles de intensidad y en el que los extremos de las ramas apenas están insinuados. Con ello lograrás una sensación de gracilidad y mucho realismo mayor.

Paso 9: insinúa las hojas.

No tiene sentido tratar de dibujar las hojas una a una. Simplemente insinúa un  poco su forma en los extremos del follaje o en las zonas centrales. Es más “dar la sensación” de que están allí, que  dibujarlas.

Paso 10:  Mantén algunas luces por el centro de la copa.

Corresponden a las zonas de más intensidad. Permite que el blanco del papel aparezca en esas áreas.

Haz dibujos hasta que obtengas un resultado satisfactorio. Verás como con el tiempo mejorarás espectacularmente y este tipo de dibujos se convierte en algo muy gratificante.

2 diciembre, 2017

En la pintura de paisaje el cielo es en muchas ocasiones el actor principal del cuadro. marca la intensidad y contraste dramatico de la pintura. A nivel general, para pintar fondos de cielo debes de:

• Establecer lo primero la línea del horizonte

De esta manera decidirás ya quien va a ser el actor principal del cuadro (el cielo la tierra) y el grado de protagonismo (contraste,  intensidad, movimiento) que el cielo debe de tener. Escoge entre:

• Línea del horizonte baja: protagonismo del cielo.

Debes de procurar crear un efecto intenso en el mismo, ya que va a ser el motivo principal del cuadro. Incluye nubes, contrastes fuertes, etc, que animen y den vida a esa superficie.  Un cielo plano, creará un efecto pobre y aburrido en el cuadro.

• Línea del horizonte media: protagonismo compartido:

Puedes valorar que efecto te interesa más ya que ambas zonas comparten protagonismo

• Línea del horizonte alta: protagonismo de la zona de tierra

En este caso debes de procurar que el cielo sin grandes contrastes que llamen la atención, ya que casi toda la información y el protagonismo lo acapara la zona de tierra. Si añades mucha intensidad en el cielo, el efecto puede ser sobrecargado.

• Crea una gradación de colores en el cielo, de claros a oscuros y de cálidos a fríos.

El cielo nunca se pinta de un único color plano. El azul del mismo va cambiando de intensidad y color según esté más bajo o más alto del horizonte. Cuanto más cerca al horizonte, el azul tiende a ser más claro y también más cálido. Cerca del horizonte, podemos emplear colores como el ocre amarillo, amarillos pálidos y blancos, para lograr un efecto atmosférico más intenso, que imite también el polvo atmosférico, la contaminación, iluminación de ciudades, etc…

Cuando vamos ascendiendo, el color del cielo se va volviendo más oscuro y frío. Siempre debe de haber un juego, un dinamismo mayor o menor en el cielo, más suave o más intenso según se desee, pero nunca plano.

• Funde unas zonas con otras:

Como norma general, evita el los ciels las zonas recortadas. Cuando hagas las degradaciones, funde el transición entre una zona y otra. El efecto es muy atmosférico. Las zonas que se recortan suelen ser nubes.

• Difumina la línea del horizonte y la unión del cielo con los planos más lejanos:

Esta raramente se ve recortada con nitidez, salvo en días muy fríos y despejados. Si fundes suavemente la unión de la tierra y el cielo, el efecto atmosférico será mayor y creará más sensación de lejanía

• Emplea  tonos quebrados para los fondos de cielo:

Evita colocar desde el principio colores muy intensos, sino que empieza con colores apagados, para que el cielo no «cante»  excesivamente. Lo mejor es poco ir subiéndolos de tono.

• Comparte los colores del cielo en la tierra y viceversa:

Debe de haber una relación de continuidad entre el cielo y las otras partes del cuadro. Aunque sean  diferentes, algunos colores del cielo deben de aparecer en zonas de tierra y viceversa. De esta manera garantizas la unidad cromática y atmosférica del cuadro. Si no puede parecer que son dos cuadros recortados y unidos. Si cielo y tierra comparten colores, la interacción entre ambas zonas será mayor.

• Evita los cielos completamente lisos:

Combina siempre variso colore sdel mismo valor tonal para conefirle al cielo una apariencia rica.

 

En la próxima entrada ya hablaremos sobre como pintar nubes, que es otro mundo.

1 noviembre, 2017

Un cuadro debe de tener un centro de interés o de atención. Este es el lugar en el que confluyen las energías visuales del cuadro. Toda buena pintura cuenta con un recorrido visual, que dirige la mirada hacia ese centro de interés. Este es el elemento  principal de la composición y los demás se subordinan al mismo.

El centro de interés funciona muy bien cuando logra aunar las energías físicas y visuales del cuadro con las emotivas. Aun así, no hay que olvidar que todas las partes del cuadro deben de ser interesantes por sí mismas.

Donde colocarlo: la regla de los tercios:

La ubicación del centro de interés no suele ser al azar, sino que hay unas ubicaciones características. Podemos emplear la regla de los tercios, para localizar estas zonas y crear composiciones que sean a la vez dinámicas y estables.

Para hallarlos divide el formato de tu pintura en tres secciones iguales, dibujando dos líneas horizontales, que lo crucen de extremo a extremo, separadas entre sí por la misma distancia. A continuación haz lo mismo con dos líneas verticales. Escoge una de las cuatro intersecciones para ubicar en ella el centro de interés del cuadro. También puedes emplear una de las líneas horizontales para colocar en ella la línea del horizonte (alta o baja según te convenga más).

Cómo trabajarlo:

Encuentra el centro de interés lo primero y trabaja desde allí hacia afuera. Cuando en un cuadro encuentras con claridad ese punto de interés, es más fácil acabarlo y resolverlo. Procura también no colocar demasiados elementos que debiliten la atención que este requiere. Trata de ubicar en el centro de interés:

– Los contrastes de oscuros y claros más intensos.

– Los colores más intensos y contrastados.

– Los contrastes de calidez y fríos principales

– Las líneas y formas más recortadas y definidas

– Los contraste de formas más notorios: (vertical /horizontal, simple/complejo arquitectura/orgánico)

Graduando la intensidad de estos matices, podemos jugar con el centro de interés para que seas más o menos evidente.

La regla de los tres estilos:

Una sencilla regla puede ayudarte a trabajar bien el centro de interés:

Divide el cuadro en tres círculos concéntricos que partan del centro de interés. Píntalos según  este patrón:

• El 1º, que corresponde al centro de interés, píntalo en estilo realista.
• El 2º, que corresponde a la siguiente área de atención, píntalo en estilo impresionista.
• El 3º, que corresponde  a la zona más periférica y de menos interés, píntalo en estilo abstracto.

Por supuesto, esta es una regla general, que admite numerosas excepciones.

 

27 octubre, 2017

El estudio de 4 valores (claros, medio claros, medio oscuros y oscuros) tiene la ventaja de sintetizar muy bien la forma en que los valores (las luces y sombras) se presentan habitualmente en el paisaje. Se basa  en la teoría de los ángulos de John F. Carlson, un famoso paisajista norteamericano de principios del S. XIX.  Esta dice que los principales elementos del paisaje: cielos, árboles, colinas, suelo, están en diferentes planos. El ángulo del plano en relación con el sol determina cuánta luz recibe, lo que a su vez determina su valor. Estos cuatro valores suelen ser:

1 .-Máxima luz: el cielo, que es la fuente de luz principal, es casi siempre el valor más luminoso.

2 .- Media luz: El suelo es un plano horizontal. Estando directamente debajo del cielo, recibe más luz que elementos verticales como árboles y colinas, pero aún es más oscuro que el cielo en la gran mayoría de las circunstancias. La excepción es la nieve o playas de arena en un día soleado.

3 – Medio oscuro: planos oblicuos / inclinados y lejanos.  La siguiente zona más oscura es la inclinación de planos, como colinas. Reciben menos luz que el suelo, y por lo tanto son más oscuros que el suelo, pero más ligeros que otros elementos verticales.Debido al efecto «suavizador» de la perspectiva atmosférica, los planos verticales alejados (montañas y colinas) son más claros que los planos verticales cercanos (árboles, casa, etc.), que proyectan sombras más acusadas y oscuras.

4 – Máxima oscuridad: planos verticales: los elementos verticales, como los árboles y la arquitectura, reciben la menor cantidad de luz y, por lo tanto, suelen ser los valores más oscuros de la pintura. Los elementos verticales, por supuesto, pueden estar formados por dos o más valores, un lado claro y un lado oscuro. Dependiendo del color de un elemento, su lado luminoso puede tener un valor cercano a los planos oblicuos o al plano de tierra.

Por supuesto, estas divisiones de valor no son absolutas. Hay cierta superposición entre las divisiones.

Esto lo podéis ver representado en el siguiente esquema:

Observar como cada uno de los planos presenta un valor (tonalidad de claroscuro) diferente. Los más oscuros son los objetos verticales cercanos.

• Ejercicios para  aprender a sintetizar en cuatro tonos

Es muy bueno para el artista aprender a sintetizar en solo cuatro tonos un pasaje. De esta manera se obliga a resolver de manera muy simple toda la complejidad que presenta el paisaje. Si logra dominar satisfactoriamente esta técnica, lo tendrá mucho más fácil para plasmar a su gusto el entorno.

A continuación podéis ver toda una serie de estudios realizados por diferentes artistas que plasman esa idea:

 

Este tipo de estudios es muy conveniente para luego aprender a realizar pinturas de carácter atmosférico y más monocromo, tal como la que os presentamos:

John Atkinson Grimswah

17 octubre, 2017

La clave para tener éxito en el dibujo de paisaje es la simplificación. Gracias a ella seremos capaces de reproducir en una superficie reducida (el papel o el lienzo), la esencia de una vista tan compleja y llena de elementos dispares, como puede ser un paisaje. Debemos de aprender a reducir esa multitud de elementos a lo mínimo, prescindiendo de todos los detalles superfluos que solo harán que dificultar nuestro trabajo.

El secreto es reducir la complejidad de formas que vemos ante nosotros a elementos geométricos simples, que luego poco a poco iremos desarrollando hasta completar nuestro dibujo. Dibujaremos principalmente con líneas rectas o segmentos, ya que así:

• Llevaremos todo el dibujo a la vez.
• Evitaremos la tentación de caer en detalles.
• Nos obliga a simplificar las formas.
• Desarrollaremos un trazo más firme y contundente, que nos vendrá muy bien para mejorar nuestar calidad gráfica como dibujantes.

Finalmente dejaremos el dibujo en un estado de desarrollo que es el inmediatamente previo a empezar a aplicar sombreados o color al paisaje.

El proceso sería el siguiente:

Partimos de una imagen aparentemente compleja y de dificil simplificación. Sin embargo veremos cómo logramos de una manera muy sencilla, resolverla satisfactoriamente.

En esta fase buscamos la manera de reducir todas las formas a los volumenes básicos y planos más elementales.  Prescindimos de toda pretensión de realismo o detalle y solo buscamos que esta primera aproximación a las formas sea veraz. En el momento en que comparando nos parezca satisfactoria, pasamos al siguiente paso.

Ahora comenzamos a descomponer en planos esos volumenes tan simples que hemos hecho y vamos entrando en aumentar los planos para acercarnos a las formas de los relieves montañosos. Si continuamos observando que es correcto, seguimos adelante con el último paso.

Este es el paso final. Definimos la mayoría de los planos y formas con un mayor grado, añadiendo y descomponiendo en volúmenes secundarios todo lo que nos haga falta. Eso sí, sin entrar nunca en detalles, ya que en cuanto cubramos la superficie con un sombreado o con pintura, estos se perderán.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

5 octubre, 2017

Para pintar paisajes debes de conocer y dominar la perspectiva lineal más básica (la cónica) ya que esta es la clave para trasponer de forma realista el mundo tridimensional a una superficie bidimensional plana como es el papel o lienzo. Usada junto con la perspectiva atmosférica y la cromática, lograrás crear una ilusión convincente de profundidad en tu obra.

Aprende a usarla, ya que tener problemas de dibujo sin saber cómo resolverlos, es desmotivador y frustrante para el artista. Afortunadamente, dominarla es solo cuestión de práctica y constancia, hasta dibujarla de forma intuitiva y natural.

Cuando ya sabes emplearla, puedes incluso recrear espacios tridimensionales complejos (urbanos, rurales, etc) sin necesidad de tener el modelo delante. Además, estamos hablando de perpectiva aplicada a pintura de paisaje, no para proyectos arquitectónicos, por lo que cierto grado de libertad  y manejo intuitivo y espontáneo es admisible e incluso recomendable.

De todos los tipos posibles de perspectivas, solo vamos a emplear los más fáciles: la perspectiva cónica de un punto de fuga (frontal) y la de dos puntos de fuga (oblícua). Son las que más se aproximan a nuestra manera habitual de percibir la realidad y con ella podremos representar prácticamente casi todo lo que vemos delante.

La perspectiva cónica de un punto de fuga (cónica frontal):

Es la más sencilla. Se llama así porque sirve para representar los objetos que se encuentran colocados de manera frontal ante nosostros.

CÓMO HACERLA:

1º Identifica y coloca en el lienzo o papel la línea del horizonte:

Identificar y colocar a altura adecuada  la línea del horizonte es el secreto para el éxito de tu trabajo y lo primero que yo siempre trazo en un mi dibujo. Es la línea horizontal que mirando a lo lejos divide el punto en el que la tierra se encuentra con el cielo. En una marina se ve fácilmente, ya que separa el cielo del mar. En una llanura sería donde la tierra igualmente se encuentra con el cielo. Si una línea de montañas nos la tapa, la buscaremos detrás. En los dibujos le diremos  LH.

En un entorno urbano, donde aparentemente no se ve, la encontrarás siguiendo la convergencia de las líneas oblícuas que corresponden a las superficies paralelas (cornisas de edificios, líneas de ventanas, bordillos de aceras, sembrados, etc..) Esas líneas se unen en un punto (punto de fuga), que siempre se encuentra sobre la línea del horizonte.

• Como situar la altura de la línea del horizonte:

La línea del horizonte corresponde con la altura de nuestros ojos (el observador). Dependiendo  de la altura a la que te encuentras y donde colocas la línea del horizonte, tendrás:

• Vista aérea: vamos a mostrar una vista desde lo alto de una montaña, un edificio o un acantilado, los objetos son mostrados allá abajo. El observador está alto, luego la línea del horizonte debe estar alta. En este tipo de cuadros cobra más importancia la franja de terreno, más que al cielo.
• Vista media: si el observador está situado a una altura  media, la línea del horizonte  debe de estar a media altura. En estos cuadros suele estar equilibrado una zona y la otra.
• Vista a nivel de terreno: Si estamos bajos, la línea del horizonte debe de aparecer baja. En estos cuadros, la zona más importante es el cielo, que cobra un gran protagonismo.

2º Coloca el punto de fuga:

Es el punto hacia el que convergen las líneas paralelas de la vista (que parecen oblícuas) y se halla siempre situado en la línea del horizonte. En los dibujos le diremos  PF. Compositivamente es más atractivo colocarlo un poco desplazado hacia un lado u otro que en el centro, ya que en pintura la perfecta simetría suele ser aburrida.

3º Traza en vista frontal el objeto principal cercano más próximo

Busca cual es el elemento cercano más importante y alto de la vista, situalo en su lugar aproximado  y dibuja una línea vertical que corresponda a su altura total desde abajo hacia arriba.

4º Haz las líneas de fuga

Desde los extremos inferior y superior de este 0bjeto, dibuja las líneas de fuga que converjan hacia el punto de fuga. Así construyes las caras laterales del objeto.

5º Coloca las diversas alturas del cubo

Si el cubo va a ase run edificio d ecinco plantas, marca los puntos correspondientes a cada altura en la línea vertical y lanza desde cada uno de ellos una línea de fuga

6º Dibuja las líneas horizontales que corresponden a los lados frontales (ancho) del objeto.

Con ellas creas la sensación de volumen en el cubo. Estas líneas son completamente horizontales y paralelas entre sí.

Si quieres ver en un sencillo vídeo como hacerlo, aquí tienes uno:

https://www.youtube.com/watch?v=XRrKohWdpeQ

Observaremos que:

• Los objetos van disminuyendo de tamaño según se van alejando de nosotros.
• Las líneas paralelas, parecen oblicuas ya que convergen hacia un punto en el horizonte (el punto de fuga)
• El espacio entre los objetos va disminuyendo a medida que estos se van alejando.

 EJERCICIOS A REALIZAR:

1.-  Estudia fotografías:

Imprímelas o recortalas y dibuja sobre ellas donde se encontraría la línea del horizonte, el punto de fuga y las líneas de fuga. De esa forma te familiarizarás y aprenderás a reconocerla. Si no quieres estropear las fotos puedes usar un acetato colocado encima y trazar las líneas sobre este con un rotulador permanente.

2.- Obsérvala en la calle:

Sal a la calle y observa la convergencia de líneas hacia un punto de fuga y la línea del horizonte.

3.- Empieza por dibujarla con cubos o cajas

Para entender y practicar mejor, es más fácil empezar dibujando solo cubos y cajas, para adquirir habilidad. Una vez aprendes a situar un cubo en perspectiva en cualquier tipo de visión, los demás objetos no son más que cajas más o menos complicadas, pero el principio general es el mismo.

DIBUJOS A HACER:

Recomendados para los alumnos del Curso de Paisaje de Gaia

1º – Dibuja un cubo en perspectiva  cónica frontal, con una línea del horizonte baja (a 1/3 inferior del alto del papel) y el punto de fuga ladeado a la derecha.

2º-  Dibuja un cubo en perspectiva  cónica frontal, con una línea del horizonte media (a 1/2 del alto del papel) y el punto de fuga ladeado a la derecha.

3º-  Dibuja un cubo en perspectiva  cónica frontal, con una línea del horizonte alta (a 1/3 superior del alto del papel) y el punto de fuga ladeado a la derecha.

4º.- Construye una calle ficticia, empleando cualquiera de las propuestas anteriores. Procura que haya edificios en diferentes alturas, coloca aceras, pasos de cebra, farolas, etc. Aquí tienes varios ejemplos:

5º.- Trata de dibujar esta calle en un esquema simplificado de cubos, tal como hemos visto.

6º.- Trata de dibujar esta vista con el mismo esquema.

Si quieres puedes ayudarte de un acetato para dibujar primero el esquema de lineas auxiliares

 

28 enero, 2016

Pese a un tiempo amenazante, el martes pasado disfruté con mis alumnos de una buena sesión de pintura al aire libre. El lugar escogido, en el antiguo cauce del río Turia nos aportó una riqueza de motivos muy interesantes, con posibilidad de trabajar motivos atractivos en distintos noveles de cercanía y profundidad.

Si este verano quieres aprender a pintar mejor el paisaje te recomiendo visitar nuestra web: Vacaciones con arte. Si vives cerca de Valencia, y quieres aprender a lo largo de todo el año te aconsejo: Gaiarestauracion

Mis materiales habituales.

19 enero, 2016

ALGUNAS CONSIDERACIONES PREVIAS

– Se paciente contigo mismo:

Pintar al aire libre no suele salir bien a la primera. Es más dificil de lo parece, por lo que concédete varios intentos hasta que empieces a obtener resultados satisfactorios.

– ¿Como escojo el tema?

En base a tu estado de humor, soltura pintando, tamaño del soporte y sobre todo que te resulte atractivo. Aquí  es de gran ayuda el “visor de paisaje”  ya que facilita individualizar temas y motivos, para valorar su atractivo.

También es bueno observar el mismo motivo bajo distintos puntos de vista.

– Busca un motivo sencillo:

Salvo que se tenga mucha soltura, es mejor realizar una vista sencilla a uno de gran complejidad en el qué es fácil perdernos. A medida que ganes experiencia, puedes plantearte composiciones más ambiciosas.

Fotografíalo:

Así, si no lo puedes acabar en el lugar, lo podrás finalizar luego en casa. Además luego es muy interesante comparar la imagen real y la impresión pintada.

1.- COMO COMPONER Y HACER EL DIBUJO PREVIO

• Prueba a hacer un pequeño boceto previo:

En un papel aparte, te puede ser muy útil hacer un pequeño croquis o esbozo, antes de hacer la composición definitiva en el cuadro. Así ensayas como distribuir los elementos principales.

• Haz un dibujo inicial en el cuadro muy sencillo:

Empieza por situar la línea del horizonte y sobre ella los motivos principales:

En él lo más importante es situar bien los elementos principales y que la corrección de las proporciones y que la composición te satisfaga a nivel general. Se cuidadoso, ya que un dibujo incorrecto te hará sufrir al pintar, pero todavía no hagas ningún detalle en profundidad,  ya que al aplicar la pintura desaparecerán.

• Modifica y simplifica el motivo:

No debes incluir todos y cada uno de los elementos y detalles que tienes ante ti. Eso es imposible. Quédate sólo con los esenciales, y altéralos si te es necesario para armonizar y equilibrar la composición.

• Usa la perspectiva de forma intuitiva:

Salvo que quiera una pintura de gran exactitud, te recomiendo emplear unas reglas sencillas de perspectiva para dar verismo a tu paisaje.

• Comienza por marcar la línea del horizonte.
• Sitúa los objetos principales y ves disminuyéndolos a medida que se alejan.
• Realiza una mínima convergencia de horizontales hacia puntos de fuga.

De todas formas, en próximas entradas te explicaré más cosas sobre el uso de la perspectiva.

ALGUNOS CONSEJOS INTERESANTES PARA COMPONER:

• Emplea la regla de los «tres tercios» o «sección áurea» para colocar los puntos de atención del cuadro.

Si divides tu cuadro en tres bandas horizontales y tres verticales, coloca siempre la línea del horizonte y los puntos de interés la intersección de dos  tercios. De esta forma la composición es a la vez asimétrica pero también animada. La simetría perfecta produce un efecto rígido, poco aconsejable. La gran mayoría de los paisajes clásicos están compuestos en base a esta regla.

• Coloca elementos de relieve  en primer plano:

Aumenta la sensación de profundidad

• Procura crear una composición atractiva o movida

Crea recorridos visuales en los que la vista sea conducida de una parte del cuadro a otra. Sobre como lograr esto ya hablaremos en detalle más adelante

4.- COMO ESCOGER Y APLICAR  EL COLOR:

– Parte de un fondo ya coloreado:

Si en vez de pintar directamente sobre el lienzo o papel en blanco, le aplicas una capa de color previa, ya tienes mucho ganado. Ese fondo de color le dará al cuadro homogeneidad y te ayudará a pintar mejor. Busca colores no excesivamente intensos, ya que si no tendrán demaseado protagonismo en el cuadro. Mejor que sean un poco apagados.

– Ve de los simple a lo complejo:

No empieces realizando detalles complejos en zonas y dejando otras en blanco.  Comienza manchando de forma muy general y deja los detalles para el final.

– Trabaja todo el cuadro por capas generales:

Un cuadro se construye en base a tres o cuatros capas superpuestas de pintura. Evita dejar completamente acabada una zona del cuadro y otra en blanco.

– Haz primero un manchado inicial:

Cubrimos todo el cuadro de una serie de colores básicos aplicados por zonas, con una mancha plana.  Estos nos dan ya una impresión general de la composición. La selección del color dependerá del estilo que queramos realizar:

• Paisaje realista: colores quebrados que se aproximen al fondo del color real que vemos.
• Paisaje colorista o fauvista: colores muy vivos y saturados, que tengan cierta relación con el color que vemos.

En otra entrada nos dedicaremos en detalle al tema del color.

– Pinta avanzando desde lo más lejano a lo más cercano:

Es el orden lógico y ayuda a construir muy bien los primeros planos. En cada una de estas capas de pintura, empieza siempre por lo más lejano. Los detalles del primer término, siempre lo último. Verás como sale mucho mejor.

– Aplica colores y matices secundarios.

Estos nos completan la gama de colores básicos, permitiéndonos incluir más matices y detalles. Escoge los colores  empleando otros que bien sean parecidos pero tengan matices diferentes o que contrasten vívamente con los principales. Todo ello crea un efecto rico y animado en el cuadro.

– Combina los mismos colores en diversas zonas del cuadro:

Procura emplear el azul del cielo en algunas partes de los primeros planos. El amarillo del prado en reflejos de las nubes. El violeta de las sombras en diversas zonas repartidas. De esta manera todas las partes del cuadro guardan relación entre sí y se logra una sensación de riqueza y a la vez de integración armoniosa de las distintas zonas unas con otras.

– Recupera el dibujo:

Redefine aquellas zonas que se hayan perdido durante la aplicación de pintura.

– Realización de los detalles y toques finales:

Ahora sí es el momento de aplicar aquellos toque de color y realce final, que le van a conferir al cuadro la gracia e interés definitivo. Son los brillos, los contrastes más acusados, los toque de color más intensos, que destacan como acentos y realces sobre la superficie pictórica. Es importante hacerlos ahora, porque es cuando podemos valorar definitivamente los que nos hacen falta y los que nos sobran.

 

– Borra y rectifica todo lo que sea necesario:

Todo lo que hayas hecho que no te guste, elimínalo sin dudarlo.

– Coloca un motivos o punto de atención referencias anecdótico:

Una casa, personas, animales, aunque no estén en el paisaje real, le pueden aportar al cuadro  un interés añadido que en muchos casos servirá para completar y animar el mismo. Le dan movimiento o crean nuevos centros de atención.

– Por último, ¡fírmalo!:

Busca una firma que sea atractiva y reflejo de tu personalidad y ¡animo!

Si quieres aprender más sobre cómo pintar paisajes, te aconsejo nuestros cursos todo el año y en verano : Vacaciones con arte y Gaia, Centro de Estudios de Arte.

19 enero, 2016

¿Es necesario pintar al aire libre para realizar buenos paisajes?

Se pueden pintar magníficos paisajes partiendo de fotografías. Pero la pintura al aire libre aporta una serie de vivencias muy interesantes para el artista

¿Qué es lo mejor de pintar al aire libre?

• La riqueza de motivos presentes y lo inspiradores que resultan. Ninguna foto lo puede igualar.
• El contacto con el entorno, la luz natural, los sonidos, el aire libre, etc. Todo ello son estímulos y emociones que el artista puede transformar en pintura muy atractiva.
• El contacto con los compañeros si se sale en grupo

¿Que incomodidades presenta la pintura al aire libre?

• La necesidad de transportar los materiales hasta el lugar.
• Estar sujeto a las inclemencias atmosféricas: lluvia, viento, frío, calor, etc.
• La necesidad de pintar con gran rapidez, ya que el tiempo es limitado (El estilo impresionista a pinceladas rápidas se desarrolló por esta necesidad)

 ¿Cuál es la mejor técnica artística para pintar paisajes al aire libre?

La que te sea más cómoda de llevar y te permita pintar con rapidez:

• Técnicas secas (pastel, lápiz, etc. )
• Húmedas que sequen rápido (acuarela, acrílico).

Si quieres pintar al óleo has de prever como transportar de vuelta el cuadro fresco, que mancha y se emborrona si lo rozas.

• ¿Cuál es el mejor tamaño para pintar al aire libre?

Al aire libre es mejor emplear tamaños medianos y pequeños, por:

• Comodidad de manejo y transporte
• Poder finalizar el cuadro en una o dos sesiones.
• Para evitar que el viento se lo lleve.

• ¿Formato apaisado, cuadrado o vertical?

Cualquiera vale, pero para empezar, escoge el apaisado, que te lo pondrá más fácil. Componer un paisaje en un formato vertical requiere cierta experiencia.

• ¿Cómo puedo transportar todas mis pinturas y materiales al sitio?

Lo mejor es una pequeña mochila o si llevamos mucho aparataje, un carro de comprar. Así evitamos tener que cargar el peso de los materiales.

• ¿Qué materiales me hacen falta para pintar al aire libre?

• Un caballete portátil.
• Las pinturas, pinceles y medios artísticos que vaya a emplear.
• Es aconsejable un asiento portátil.
• Trapos y toallitas para limpiar los pinceles y las manos.
• El lienzo o tabla.
• Si vamos a pintar en un medio seco, un tablero para sujetar el papel.
• Un visor de paisaje (aconsejable)
• Un taburete plegable (aconsejable)
• Una sombrilla (opcional)

• ¿Cómo escoger el mejor sitio para pintar?

Cuando llegues al lugar, paséate un poco buscando un lugar que cumpla los siguientes requisitos:

• Que la vista te resulte atractiva: ha de ser inspirador, para lograr extraer lo mejor de nosotros.
• Qué este a la sombra: pintar bajo el sol es muy incómodo, ya que la luz directa hace difícil apreciar bien el color.
• Que no estorbe el paso.

 

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