21 febrero, 2018

Al empezar un paisaje, la primera decisión es resolver que parte del mismo es la protagonista del cuadro y  por tanto, queremos darle mayor importancia. ¿El cielo? ¿La tierra? ¿El primer plano?. Según sea la opción que nos interese, decidiremos donde situar la línea del horizonte. En un paisaje, este es el punto fundamental de inicio, ya que su ubicación condiciona todo el desarrollo posterior del cuadro. La línea del horizonte corresponde con la altura a la que está situado el observador,  marca lo que se ve y qué elemento tendrá mayor importancia: cielo, tierra o ambos por igual. Para ubicarla podemos emplear la del paisaje que veamso ante nosotros o usar alguna regla de los tercios o de los quintos.

Eso sí, conviene evitar situarla justo en el centro del cuadro, salvo que lo compensemos con otros recursos para darle animación al cuadro. Las diferentes opcione sque tenemos son:

Línea del horizonte a nivel de suelo

En esta perspectiva, el observador está situado a nivel del suelo, casi tumbado en el mismo. La línea del horizonte está extremadamente baja y genera una vista ampliada de los objetos cercanos a los que confiere un protagonismo e intensidad exagerados. Focaliza la atención en lo inmediata y cercano. El cielo ocupa la mayor parte de la superficie del cuadro, por lo que se concede una gran importancia al trabajo del mismo, con nubes, etc.

Línea del horizonte baja

El observador está situado a nivel del suelo, pero de pie.  La línea del horizonte está más alta que en el caso anterior, correspondiendo a al visión que habitualmente tenemos al desplazarnos andando por el paisaje. Nuestra perspectiva es más amplia, con más profundidad y distancia. El cielo ocupa gran parte de la superficie del cuadro, por lo que se concede una gran importancia al trabajo del  nubes, etc.

Línea del horizonte en el medio

El observador está situado en una pequeña elevación. Ni el campo ni el cielo dominan. y puede ser dificil decidir que zona es la protagonista. Hay que buscar elementos que movilicen esa zona y rompan el posible estatismo que una línea justo en el centro puede generara. lo mejor es crear un equilibrio dinámico de masas. Los puntos de vista elevados generan  cierto sentimiento de reverencia y humildad  ante la amplitud del paisaje que se extiende bajo nosotros.

Línea del horizonte alta

Corresponde a una vista aérea. El observador está situado muy alto y la composición está dominada la amplia zona de  terreno del primer plano, que se extiende  hasta la profundidad del horizonte.  El ojo del espectador debe de ser conducido hasta allí mediante hitos y líneas de contraste adecuadas. Nos  sirven postes, hitos, árboles, etc. Una línea del horizonte alta, implica darle gran importancia al paisaje terrestre (vista de pájaro), en detrimento dle cielo. Este pasa a ser un mero telón de fondo que no debe de llamar excesivamente la atención, puesto que toda la acción del cuadro ocurre en la zona terrestre.

Línea del horizonte superior, fuera del cuadro

Vista aérea. El observador esta en un aeronave o una gran elevación, un rascacielos, etc. Es poco habitual y exige un buen dominio de la prespectiva. Muchos pintores impresionistas, realizaron estupendas vistas de París con esta ubicación.

 

 

11 febrero, 2018

Recrear escenas de niebla o lluvia es un reto muy  atractivo para cualquier pintor de paisajes. Lograr sugerir con éxito estos efectos atmosféricos depende sobre todo de  seleccionar la paleta tonal y el esquema de color y contraste adecuado. En estos días la visibilidad es reducida y la atmósfera densa y opaca, predominando el color gris. Lo adecuado es empezaremos con una paleta de tonos neutrales, que tienda hacia colores más bien agrisados. No quiere esto decir que haya que pintar solo con grises, sino que en la gama de colores escogida (verdes, violetas, etc…) debe de haber cierta tendencia hacia ese color.

A medida que vayamos de los planos lejanos a los cercanos podemos incrementar la intensidad y saturación del color, para sugerir un efecto de cercanía y enriquecer moderadamente el cromatismo del cuadro.

En el esquema de colores deben de predominar los análogos, ya que cuanto más cercanos sean entre sí,  mayor  armonía atmosférica se logrará. Para romper la excesiva monotonía que un cuadro sólo de análogos puede ocasionar, los contrastaremos con el complementario que veamos más adecuado.

Controlar el nivel de contraste de claros y oscuros es vital. Cuanto más reducido éste sea, mayor densidad atmosférica y apariencia de niebla o lluvia lograremos. Por el contrario, a mayor contraste y nitidez, más diáfana será la luz. Obviamente, aquellas zonas más alejadas serán menos contrastadas y las más cercanas, este aumentará.

Por último, hay que prestar gran atención a los contornos de los objetos. Cuanto más borrosos o  diluidos aparezcan,  mayor efecto atmosférico habrá. En estso días, este debe de ser  muy presente.

15 diciembre, 2017

Dibujar árboles es una actividad gratificante que te será muy útil en tus bocetos y dibujos de paisaje. Esta técnica te permitirá representar árboles mostrando su  follaje de una manera estructurada, rica y con un atractivo contraste de claroscuros. La puedes emplear con el lápiz grafito, pero también funciona con otros medios de dibujo como cretas, carboncillo, etc.

Es un método con el que avanzamos progresivamente de los tonos claros a los oscuros. Si estuviéramos pintando sería diferente, ya que la opacidad de las capas de pintura (oleo, pastel, etc.) aconseja trabajar de manera inversa: aplicar primero una base de colores oscuros, sobre la que luego superponer otros más claros y luminosos.

Con este método aprenderás a dibujar arboles individualizados. Más adelante aprenderemos a representar boscajes con una técnica ligeramente diferente.

El procedimiento:

Como siempre, partimos de la simplificación máxima inicial para llegar luego al detalle

Paso 1: identifica y dibuja simplificadamente la silueta del árbol

Dibuja la silueta aproximada  del tipo de árbol que quieres dibujar. Cada árbol tiene una bien definida. Obsérvala y representa su contorno de forma aproximada, sin entrar en detalles.

 

Paso 2: dibuja de la copa del árbol.

Divide la copa del árbol en “globos” o “bolsas” que sigan de manera aproximada y simple la estructura y distribución aproximada de las ramas y el follaje del árbol.

Paso 3: observa de donde viene la luz.

Observa y decide desde donde incide la luz solar. Eso muy es importante para decidir la distribución de las sombras que luego estructurarán el árbol. Para identificarla con facilidad, te puede ayudar mucho hasta dibujarte un pequeño sol, que te permita ver con claridad que zonas estarán en sombra y que zonas tendrán luz.

Paso 4: haz un sombreado básico.

Inicialmente vamos a resolver el sombreado con sólo tres o cuatro tonos básicos:

• Luces: fondo del papel.
• Zonas claras: gris claro.
• Zonas semi obscuras: gris oscuro.
• Zonas de sombra: gris muy obscuro o negro.

Siguiendo ese patrón de luces y sombras, aplica una primera mancha de color oscuro en aquellas zonas de la copa que sean de sombra. Hazla de manera individual en cada una de las “bolsas” o “globos”, teniendo en cuenta una valoración general.

A continuación aplica  un segundo tono intermedio en las zonas siguientes, para lograr un efecto de tono intermedio.

Por último, aplica uno menor en las zonas claras.

FOTO

Deja las zonas superiores y aquellas donde incide más directamente la luz  solar en blanco.

Paso 5: funde unas zonas con otras.

Observa el conjunto y funde unas zonas con otras, para lograr un efecto natural y continuo. Así haces desaparecer las divisiones muy marcadas y lineales entre zonas, que dan una apariencia artificial.

 

Paso 6: sombrea el tronco:

Cada árbol tiene una forma y grosor propio de tronco. Inicialmente piensa en él como un cilindro que se va retorciendo y estrechando a medida que asciende.

El tronco suele ser una de las zonas más oscuras, ya que buena parte de él queda bajo la sombra de las ramas inferiores. Aplica una sombra consistente, que se vaya desde la zona inmediatamente cercana a la copa, hacia abajo. Si el dibujo te lo permite, trabaja un poco la textura del tronco. Es un recurso muy atractivo.

Paso 7: haz la sombra proyectada en el suelo:

Contribuye mucho a dar solidez al conjunto. Observa donde debería de estar según la posición del sol y represéntala de manera más intensa en el  centro y más rebajada hacia afuera

Paso 8: cuida las ramas:

Las ramas contribuyen mucho al realismo del dibujo. Además con ellas puedes trazar delicados arabescos que aportan gracia y encanto al dibujo. Evita que sigan un patrón simétrico y tosco. Repártelas de manera desigual pero estructurada por el árbol.

Por supuesto, las ramas siempre son más finas que el tronco y su anchura va decreciendo hacia los extremos. Evita dibujar las ramas de forma igual y muy marcadas. Mejor emplea un trazo sensible, con diferentes niveles de intensidad y en el que los extremos de las ramas apenas están insinuados. Con ello lograrás una sensación de gracilidad y mucho realismo mayor.

Paso 9: insinúa las hojas.

No tiene sentido tratar de dibujar las hojas una a una. Simplemente insinúa un  poco su forma en los extremos del follaje o en las zonas centrales. Es más “dar la sensación” de que están allí, que  dibujarlas.

Paso 10:  Mantén algunas luces por el centro de la copa.

Corresponden a las zonas de más intensidad. Permite que el blanco del papel aparezca en esas áreas.

Haz dibujos hasta que obtengas un resultado satisfactorio. Verás como con el tiempo mejorarás espectacularmente y este tipo de dibujos se convierte en algo muy gratificante.

18 noviembre, 2017

El empleo de fotografías para pintar está cada día más extendido. Los móviles, tabletas y ordenadores permiten acceder de forma inmediata a un campo de imágenes sin límite y eso es fantástico. Sin embargo a la hora de pintar, pretender copiar exactamente la fotografía, hasta el mínimo detalle, pensando que eso es lo correcto, es un error. La fotografía solo el punto de partida sobre el que empezamos a  crear nuestra pintura, pero debemos trascenderla para convertir  el cuadro en una obra  propia.

Además, la fotografía tampoco corresponde a la realidad ya que esta imagen se ve alterada por la iluminación escogida, las lentes empleadas, el tipo y ajuste  cromático de la pantalla  con la que la vemos o la calidad de impresión. En sí, la fotografía, tampoco es la realidad, sino otra  interpretación  de la misma.

Por eso la fotografía es muy útil a la hora de establecer las líneas de dibujo, pero debemos  emplearla con más cautela en el caso del color,  ya que tiende a simplificar tonos,  sombras, sobreexponer  o subexponer  la  iluminación.

He escogido una de mis pinturas al pastel, que muestra el castillo de Biar (Alicante), para ilustraros  el proceso que os aconsejo seguir. Es una pintura que representa con bastante fidelidad el paisaje, pero interpretándolo en clave pictórica, no fotográfica:

Recorta y selecciona el encuadre: no te conformes con la primera imagen, juega con diversos recortes de la misma hasta lograr el encuadre más interesante.

Modifica y altera los elementos de la composición: lo que importa es el cuadro, no la foto en la que se inspira. Si para hacer más atractiva la pintura, debes de añadir o eliminar elementos nuevos, no lo dudes.

Simplifica la composición: da por seguro que todo lo que aparece en la foto, no cabe en el cuadro. A medida que lo vayas pintando, te darás cuenta de que elementos sobran. Si dudas sobre mantener alguno o no,  lo mejor es eliminarlo.

Mejora y trasciende el claroscuro fotográfico: las cámaras traducen las sombras de una manera simplista, uniforme y poco atractiva. Es tu trabajo convertir esas sombras en zonas luminosas y vividas, con matices de color  interesantes. Observa los cuados de Sorolla y verás todo lo que se puede llegar a  hacer con las sombras.

No copies sin más los colores de la fotografía: Estos colores solo son un punto de partida. Trabaja con un esquema previo de colores del círculo cromático. Si es necesario introduce los cambios de color que veas convenientes. Ten en cuenta que si además es una imagen  hecha con una impresora, estas simplifican muchísimo los matices de color.

Crea una textura pictórica, no fotográfica: estas trabajando con pintura y pinceles, luego debes de traducir la textura plana de las imágenes a una textura gestual y materica, creada por el gesto de tu pincelada o trazo y la acumulación de pintura sobre la superficie. Es ahí donde  muestras  tu personalidad , ya que la forma de pintar es única y distinta en cada uno de nosotros.  Gradualmente ves probando  una  variedad de texturas y efectos, desde el hiperrealismo a las  técnicas más matéricas.

Prescinde de la foto: si pintas como es debido, llegará un momento  del proceso en el  que sentirás la necesidad de prescindir de la foto para  resolver el cuadro conforme a lo que te vaya dictando el propio cuadro.

9 noviembre, 2017

Los colores monocromos son aquellos que logramos partiendo de un mismo matiz o «color», pero con variaciones hacia claro u oscuro. Los podemos obtener por la simple adición del blanco o el negro al color principal si es un medio húmedo (acrílico, óleo). Si  trabajamos con medios secos (pasteles, lápices) escogeremos  cuidadosamente pasteles de la misma gama o similar, junto con el blanco o el negro.

Para el pintor, trabajar un cuadro con esta gama de color sirve para explorar a fondo las  posibilidades del claroscuro sin distraernos por el brillo llamativo del color. De hecho muchos paisajistas consideran que la clave del éxito de un buen paisaje es un correcto planteamiento de claroscuro, que actúa como pintura de base sobre la que luego se van aplicando colores más vivos y llamativos. De ahí la famosa frase «el color se lleva la gloria, pero el claroscuro hace el trabajo».

En general las gamas monocromáticas generan un efecto «atmosférico» intenso, que podemos aumentar empleando otros recursos de la perspectiva atmosférica, como el agrisamiento y disolución de contornos de los planos lejanos.

Para disfrutar realizando esta actividad tenemos dos opciones:

• Encontrar tipos de paisajes que de una forma natural se adapten bien a la gama de colores escogida.
• Animarnos a probar gamas inusuales para probar diferentes coloridos en paisajes , aunque inicialmente el aspecto sea chocante.

Gamas de colores monocromáticos y que se adaptan bien a según que paisajes:

• Gamas de azules: perfectas para marinas, nocturnos,como puedes comprobar en esta foto.

• Gamas de verdes: todo tipo de pinturas de bosques y florestas:

• Gamas de cálidos: para pinturas del desiertos, zonas áridas:

 

 

• Gama de grises: perfecta para días nublados y de lluvia:

1 noviembre, 2017

1.-Actividades:

Realizar dibujos en escala de grises, similares a los realizados en clase, sobre cualquiera de estas imágenes:

Os aconsejo usar pasteles mejor que cretas, ya que son más dúctiles y suaves. Emplear papel Canson Mi Teintes, sobre cualquiera de las dos caras.

2.- Materiales para el próximo día:

El próximo día vamos a realizar un trabajo de paisaje en una gama de colores monocromos. Para ello necesitaremos cinco barras de pastel, una blanca y las otras cuatros que que sean variaciones de claro a oscuro sobre el mismo color. Os pongo un ejemplo de gamas monocromáticas de colores.

Por si alguien está pensando en comprarse una gama de pasteles, ahí van algunas indicaciones:

La pintura al pastel para el paisaje

También nos hará falta una hoja de papel Canson Mi Teintes, tamaño cuartilla.

1 noviembre, 2017

Un cuadro debe de tener un centro de interés o de atención. Este es el lugar en el que confluyen las energías visuales del cuadro. Toda buena pintura cuenta con un recorrido visual, que dirige la mirada hacia ese centro de interés. Este es el elemento  principal de la composición y los demás se subordinan al mismo.

El centro de interés funciona muy bien cuando logra aunar las energías físicas y visuales del cuadro con las emotivas. Aun así, no hay que olvidar que todas las partes del cuadro deben de ser interesantes por sí mismas.

Donde colocarlo: la regla de los tercios:

La ubicación del centro de interés no suele ser al azar, sino que hay unas ubicaciones características. Podemos emplear la regla de los tercios, para localizar estas zonas y crear composiciones que sean a la vez dinámicas y estables.

Para hallarlos divide el formato de tu pintura en tres secciones iguales, dibujando dos líneas horizontales, que lo crucen de extremo a extremo, separadas entre sí por la misma distancia. A continuación haz lo mismo con dos líneas verticales. Escoge una de las cuatro intersecciones para ubicar en ella el centro de interés del cuadro. También puedes emplear una de las líneas horizontales para colocar en ella la línea del horizonte (alta o baja según te convenga más).

Cómo trabajarlo:

Encuentra el centro de interés lo primero y trabaja desde allí hacia afuera. Cuando en un cuadro encuentras con claridad ese punto de interés, es más fácil acabarlo y resolverlo. Procura también no colocar demasiados elementos que debiliten la atención que este requiere. Trata de ubicar en el centro de interés:

– Los contrastes de oscuros y claros más intensos.

– Los colores más intensos y contrastados.

– Los contrastes de calidez y fríos principales

– Las líneas y formas más recortadas y definidas

– Los contraste de formas más notorios: (vertical /horizontal, simple/complejo arquitectura/orgánico)

Graduando la intensidad de estos matices, podemos jugar con el centro de interés para que seas más o menos evidente.

La regla de los tres estilos:

Una sencilla regla puede ayudarte a trabajar bien el centro de interés:

Divide el cuadro en tres círculos concéntricos que partan del centro de interés. Píntalos según  este patrón:

• El 1º, que corresponde al centro de interés, píntalo en estilo realista.
• El 2º, que corresponde a la siguiente área de atención, píntalo en estilo impresionista.
• El 3º, que corresponde  a la zona más periférica y de menos interés, píntalo en estilo abstracto.

Por supuesto, esta es una regla general, que admite numerosas excepciones.

 

27 octubre, 2017

Sintetizar a lápiz grafito  y en cuatro tonos básicos, alguno de los siguientes paisajes:

 

 

Realizar primero un dibujo lineal por planos.

27 octubre, 2017

El estudio de 4 valores (claros, medio claros, medio oscuros y oscuros) tiene la ventaja de sintetizar muy bien la forma en que los valores (las luces y sombras) se presentan habitualmente en el paisaje. Se basa  en la teoría de los ángulos de John F. Carlson, un famoso paisajista norteamericano de principios del S. XIX.  Esta dice que los principales elementos del paisaje: cielos, árboles, colinas, suelo, están en diferentes planos. El ángulo del plano en relación con el sol determina cuánta luz recibe, lo que a su vez determina su valor. Estos cuatro valores suelen ser:

1 .-Máxima luz: el cielo, que es la fuente de luz principal, es casi siempre el valor más luminoso.

2 .- Media luz: El suelo es un plano horizontal. Estando directamente debajo del cielo, recibe más luz que elementos verticales como árboles y colinas, pero aún es más oscuro que el cielo en la gran mayoría de las circunstancias. La excepción es la nieve o playas de arena en un día soleado.

3 – Medio oscuro: planos oblicuos / inclinados y lejanos.  La siguiente zona más oscura es la inclinación de planos, como colinas. Reciben menos luz que el suelo, y por lo tanto son más oscuros que el suelo, pero más ligeros que otros elementos verticales.Debido al efecto «suavizador» de la perspectiva atmosférica, los planos verticales alejados (montañas y colinas) son más claros que los planos verticales cercanos (árboles, casa, etc.), que proyectan sombras más acusadas y oscuras.

4 – Máxima oscuridad: planos verticales: los elementos verticales, como los árboles y la arquitectura, reciben la menor cantidad de luz y, por lo tanto, suelen ser los valores más oscuros de la pintura. Los elementos verticales, por supuesto, pueden estar formados por dos o más valores, un lado claro y un lado oscuro. Dependiendo del color de un elemento, su lado luminoso puede tener un valor cercano a los planos oblicuos o al plano de tierra.

Por supuesto, estas divisiones de valor no son absolutas. Hay cierta superposición entre las divisiones.

Esto lo podéis ver representado en el siguiente esquema:

Observar como cada uno de los planos presenta un valor (tonalidad de claroscuro) diferente. Los más oscuros son los objetos verticales cercanos.

• Ejercicios para  aprender a sintetizar en cuatro tonos

Es muy bueno para el artista aprender a sintetizar en solo cuatro tonos un pasaje. De esta manera se obliga a resolver de manera muy simple toda la complejidad que presenta el paisaje. Si logra dominar satisfactoriamente esta técnica, lo tendrá mucho más fácil para plasmar a su gusto el entorno.

A continuación podéis ver toda una serie de estudios realizados por diferentes artistas que plasman esa idea:

 

Este tipo de estudios es muy conveniente para luego aprender a realizar pinturas de carácter atmosférico y más monocromo, tal como la que os presentamos:

John Atkinson Grimswah

17 octubre, 2017

Descomponer en un dibujo de planos como el que se muestra en la entrada anterior, varios de los siguientes paisajes: